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近日，一个关于中央美术学院(以下简称“中央美院”)精微素描教学成果展的帖子在微信上疯传，每件作品精确到微乎其微的写实效果，令人叹为观止，而创作者都是刚入学不到半年的新生。据说该帖点击率超过500万，从美术圈“蔓延”至普罗大众。就此本报记者采访了课程开设者、中央美院苏海江副教授，详细“解密”精微素描的教学特点和创作程序。由于此前有知名艺术家认为“素描毁了中国画”，也有画家认为艺术学院引入的苏派“光影素描”缺陷明显。因此，人们在关注精微素描的同时，又引发了“国画学生是否要学素描”的激烈争论。业界专家就此也展开了深入探讨。 以小见大 呈现有温度的故事 苏海江告诉记者，这次中央美院基础部呈现的精微素描作品，都是2015年从9月份到11月份的教学成果，主要包括了“父亲”、“小时候”、“痕迹”、“家乡小食”等几大主题。对于“精微素描”的命名，苏海江认为，其实它就像一个“借口”，或者说“工具”，只是利用它来解决一些问题。 “从形态论的角度来说，精微素描没什么创新的。国外好多学校都有这么一个课程。中央美院这一教学已经进行了七八年，慢慢得到了完善。作为基础部，我们面对的是刚入学的新生，心比较浮躁，希望通过这样的训练，让学生的心能够静下来，修身并修心。当然，心安定下来并不是最终目的，我们还希望学生对过去学到的知识和原有的一些感受进行梳理，以创作心态来带领习作。” 整个课程大概是五六周时间，故前面的准备阶段很长，叫做素描笔记绘本课程。首先，是寻找创作背后的故事。故事要有温度，而且要有感情的温度，而不是冷冰冰的、不健康的温度；而后进行空间、结构、构图、技法等方面的研究，这些是跟素描造型有关系的基础学习。 为什么叫绘本？就是希望学生们将结构研究也呈现为一组画面，同时，绘本需要文字，涉及到逻辑训练，因此还有一个重要的准备叫思维导图。 另外，要体现手绘能力。我们要求不能使用任何立体材质，仅限于一些淡彩、铅笔、色彩铅笔，因为画面一旦使用立体材料就“僵”了。虽然创作过程中会借助电脑、手机、ipad等现代化工具，但苏海江对学生的第一要求是必须有一个实物，通过它去研究空间、构图，思考从什么视点、角度去反映它。 在教学上，苏海江也强调一种有温度的教学。每个主题都是老师和学生进行一对一的交流，选定后，如何进行分析、结构，都是老师以自己的经验、学生以自己的感受互相碰撞，最终完成个性化的辅导。 而学生们完成的作品，大小都在整开纸左右，也就是1米×0.8米，更大一些的为2米×1.2米左右，正式创作时间为三周。“经过一个充分的前期准备，学生们的精微观察能力、心态都调整得比较好，很热情、很投入地去完成一件作品，说明这个课程对学生的基本艺术素质培养起到作用了。” 因此，苏海江表示，精微素描教学最后还是要归结到方法论上。“我对同学的要求，不是用放大镜来看对象，而是用显微镜来看，真正换一个视角。所以有同学画到最后表示：‘老师，我总算明白了，我们不是在画一张素描，而是一张抽象画，必须有些抽象的总结。’这就譬如织毛衣，哪根线跟哪根线穿插结合会出现什么样的花纹，这种结构性的东西其实是非常抽象的，我们要画一件毛衣，肯定得了解这种结构，并将其梳理形成自己的语言，才能将毛衣画出来，并且会产生一种创作的快感，就像小朋友做游戏一样，很享受，停不下来。画画的人获得享受了，看画的人也会感到舒服，这样就能形成一种交流。很多人看了原画以后，觉得特别震撼，甚至恋恋不舍，就是这个缘故。” 突破极限 成为懂得“观看”的人 谈到精微素描的作用和意义，美术批评家、中央美院副教授王春辰表示，精微素描作为训练学生观察事物、观察世界的一种方法，是非常值得肯定的。通常大家观察事物都没那么仔细，看过一个东西，让你马上去描述，可能也很难说出其细微之处，而通过精微素描的训练，是可以达到的。 苏海江告诉记者，徐冰老师曾说过一句话：“素描训练不是让你学会画像一个东西，而是通过这种训练，让你从一个粗糙的人变为一个精致的人，一个训练有素、懂得工作方法的人，懂得在整体与局部的关系中明察秋毫的人。”这对他的启发很大。精微素描教学中，传统素描里的结构、空间仍然要用到，因为那些东西都是过去科学性的积累，但大家应该从理念上转变对素描的认知——素描其实是训练人观察事物、处理事情的方法，甚至是修炼自己的一种方法。“从方法论上来看待精微素描，观察事物就会有一个新的视角，不是将眼睛眯起来看，或是拿着望远镜看，而是从心里面有一个转变。”苏海江说。 中央美术学院版画系主任王华祥教授也表示，精微素描让人眼前一亮。“精微素描是将素描画得很透、趋向极致的一种。从造型能力来讲，极致的精细是很重要的技术标准之一。画到极致，人就会突破视网膜的极限，看到更深刻的东西。观看有很多种方法，包括远距离、近距离、中距离，还有用观念和情感去看等，精微素描属于超近距离的视野，这是对绘画经验的不断突破。” 不过，王春辰认为，千万不要把这样一种技能或说状态当成艺术的目的，如何将观察能力转换成一种更加有效的艺术创造，是需要跨越的坎。虽然不排除一部分学生会觉得这样画很有意思，在未来的创作中也乐于采用这种方法，将事物刻画得精细入微，但如果大家都这样做，就不可取了。 素描和创作 割裂两者 易出问题 事实上，关于素描基础教学，尤其是国画学生要不要学习素描问题，讨论一直很热烈。甚至有艺术家下了“素描毁了中国画”的论断。对此，王春辰表示，虽然不完全认同，但素描学习的确需要反思。 王春辰认为，素描其实是训练人的敏感性和对事物的把握能力，中国画当中引入了部分素描，弥补了过去中国画特别是人物画创作时造型不准确、缺乏比例感，看起来比较僵硬的不足，这方面非常值得肯定的。“但当造型能力达到一个很高的水平后，如果直接将素描的笔法或技巧性的线条、块面挪用到水墨中去，就会缺少水墨画的那种气韵，这是被很多人诟病的。譬如中国的花鸟画，因为不是自然解剖图，或植物学上的标本图，传统的写生、勾线是一种凝练的提取，即便一个折枝也会画得很灵动、很自然，如果呈现的是素描式的惟妙惟肖，反而会显得呆板。但你不能说画得准确就不是中国画，主要还是很多画家在笔墨深度上探索得不够。当然，这两者的结合需要时间，很多人花大量精力去攻克素描，相应地，在笔墨研习上就减少了。” 在王春辰看来，艺术家本身能否将素描功底进行有效转化，还应该追根溯源到最初的学习上。有的人素描画得很好，创作却出不来，很大原因恐怕在于将素描训练和创作训练割裂开来，两者一旦脱节就很容易出问题。因此，可以考虑学生从一开始就将观察世界、表现世界和创作结合起来，当碰到各种各样的造型问题后，再进行素描训练，他的感觉和吸收就会大不一样。“徐悲鸿先生说过：素描是一切艺术造型的基础。在当时的历史背景下讲这个话是有意义的，但在今天，这种强调就有时代的局限性了。总之，素描不能变成目的，只是一种手段。我们要看到，一些国画家虽然没有素描功底，也依然是很好的艺术家。”王春辰表示。 光影素描 有此基础创作更自由 王华祥则表示，由于中国画往往要排除光影的干扰，主要通过线条、结构来体现真实性和立体感，过去的苏派光影素描，强调直线、块面、光影，直接搬用到中国画上，确实有点“血型”不合。但这不是光影素描的错，而是很多人对光影素描的理解不够深入造成的。 “光影素描其实是一种全因素素描，包括了光影、结构、透视和解剖。我研究了几十年，发现真没有什么东西可以取代它。当然，这不是说你脱离了光影就画不了画，而是说有了光影的基础，再进行结构训练、线条学习，会容易很多。譬如说具备了光影基础之后再强调结构，那么你笔下的线条、造型就会带着真实性、立体感、空间感。如果剥离了光影单纯从结构入手，则很难。2001~2002年，我曾给一个高研班上过结构性素描的课，参加的艺术家包括了国画、油画、版画、雕塑各个门类，当时我就发现，那些有光影素描基础的艺术家学起来易如反掌，甚至线条都可以自学。而那些没有光影素描基础的艺术家，在理解空间、形体、质感的时候，会吃力很多。” 因此，王华祥认为，一个画家如果具备全面的素描能力，画表现、画抽象、画观念都可以，会变得很自由。对一个具体画家而言，开始他学习的是共性，而后慢慢根据自己的个性进行增减，将无用的东西删除掉。基础教学也是一个不断发展、不断调整的过程，作为一个画种，一种材料，会对基础进行变形、适应。艺术家的经验会不断出现，对造型的认识也会不断变化。“西方艺术在塞尚以后已经完全走向个性化了，不像中国画家还停留在东方和西方、写实和非写实、光影和结构等二元对立的认知中。所谓‘素描毁了中国画’，这种思维其实还停留在中国的上世纪80年代，对西方而言，则是停留在19世纪末20世纪初。” 另外，王华祥强调，就绘画而言，素描确实是写实的基础，除了完全抽象的作品，都需要这个基础，只是分量不同罢了。“一个小朋友，本身就有一两成的写实能力，这是原始的天赋；但要达到五六成的写实能力，就要有一些积累了，至少要临摹过、模仿过。像梵高、高更、塞尚的作品，其中的写实成分已有六七成，而德加、怀斯那样的水准，写实成分则在八成半以上。半个世纪以来，西方把写实基础给抛弃掉了，因此，很多画家的作品就像涂鸦一样。现在，很多人想回到绘画上，没有别的路子，必须重新面对写实、写生、模仿，必须重提技术，而素描训练绝非可有可无。那些还在画画又诋毁素描的人，无异于‘自戕’。”(记者 江粤军) (责任编辑：admin) |